Ya hace muchísimo tiempo (desde Agosto del año pasado) que no hacía una reseña de algún disco. No por falta de buenos discos, sino más bien por perrería y que las entrevistas han quitado más tiempo.

Pero desde Caustic Records (Gracias Manix!) me ha llegado un disco de un grupo que no había escuchado en mi vida (la verdad por delante). Se trata de Iberian Spleen, que tras un tiempo “desaparecido” tras su gran éxito I´m So Afraid (llegó a estar en las Deustche Alternative Charts), nos presenta un disco de “versiones”, si, entre comillas, ya que no coje ningún sampler de los originales, sino que los reinterpreta de nuevo, ofreciéndonos una muy interesante mezcla de música clásica con electrónica.

Enfrentarse a la banda sonora de esta película, hecha por Wojciech Kilar, no es una tarea fácil, pero Frans Beltrán sale airoso, ofreciéndonos unas canciones perfectas para bailar en cualquier discoteca oscura del mundo, y que los aficionados a la película agradecerán. ¡No todos los días se puede bailar la bso de Drácula! Bueno, ahora con Iberian Spleen si

 Centrándonos en el disco, Dracula Vampire Hunters Club Versions, nos entrega 3 canciones, tituladas casi de la misma forma: Dracula 1.0 Vampire Hunters, Dracula 2.0 Vampire Hunters y Dracula 3.0 Vampire Hunters.

Según mi oído, estos tres temas son las versiones reinterpretadas de los tres primeros cortes de la BSO de la película, en concreto de: Vampire Hunters (1.0), Dracula The Beginning (2.0) y Mina’s Photo (3.0).

 En el primer tema, Dracula 1.0, nos encontramos la versión más bailable, que comienza con una pequeña introducción que nos recuerda mucho a la intro de la película, pero luego cambia y nos ofrece un ritmo electrónico que te hará mover el cuerpo sin dudarlo. Las voces que incluye el tema le dan un punto extra de oscuridad y que a buen seguro, la gente podría corear en las discotecas.

Con Dracula 2.0 llega un subidón, como si el Conde se hubiera metido un chute de anfetas. Ritmo rápido, pegadizo, con inclusiones de electrónica más suave, pero que rápidamente se van para dejar paso a un ritmo más frenético. Es un tema totalmente indicado para las pistas de baile más cañeras.

Por último, llega Dracula 3.0, la más tranquila de todas. ¿Chill Goth? ¿Chill Out Gótico? No lo se, pero este tema da un mal rollo al principio que te cagas, si la escucho a oscuras, y me encuentro con algún primillo mío mirándome fijamente….

Tras 2 minutos y algo de mal rollito, la canción adquiere un poco más de ritmo, pero siguiendo con ese aura tenebrosa que lo invade todo. Si en la bso, la canción Mina’s Photo es muy buena y sobrecogedora, pero a la vez romántica, esta vuelta de tuerca quita el halo romántico para dar más fuerza a la oscuridad de la canción.

En definitiva, un disco que gustará a la gente abierta de mente, a los que le gusten las bandas sonoras, y a los seguidores de la buena electrónica, ya que nos encontraremos con distintas vertientes de la misma, muy bien ejecutadas, y encima, sobre una obra maestra como es la realizada por el maestro polaco Wojciech Kilar.

Para mi, una grata sorpresa y un genial regalo en forma de Ep por mi cumpleaños. Si queréis, podéis pasaros por su myspace (http://www.myspace.com/iberianspleen) para comprobar algo de lo que os digo.

Un saludo!

Tomahawk

Título: A Perfect Solution

Fecha de salida: 23/10/2009
 
Discografca: Dependent
 
Componentes: Mark Hockings/ Richard Silverthorn
 
Nacionalidad: Inglaterra
 
Estilo Musical: Synth Pop
 
Página Web: http://mesh.co.uk/

Titulo: Of Faith, Power and Glory

Fecha de salida: 19/06/2009 (Europa), 23/06/2009 (USA)
 
Discografía: Anachron Sounds (Europa) / Anachron Music (USA)
 
Componentes: Ronan Harris / Mark Jackson
 
Nacionalidad: Irlanda / Inglaterra
 
Estilo Musical: FuturePop
 
Página Web: www.vnvnation.com

Últimamente, parece que está de moda que las personas encargadas de hacer reseñas en las principales páginas de Internet dedicadas a música electrónica, se dediquen a poner por los suelos los nuevos trabajos de grupos ya consagrados dentro de la escena electrónica internacional. Le pasó en su día a Assemblage 23 con Meta. Pasó con Covenant y su Skyshaper. Pasa constantemente con De/Vision (aunque particularmente creo que a este grupo se le castiga principalmente, por su constante producción musical que, de acuerdo, quizá sea excesiva, pero eso no tiene por qué estar reñido necesariamente con la calidad de lo publicado).
Con Apoptygma Berzerk, curiosamente, no sucede. Se alaba el hecho de que busquen nuevos horizontes musicales, pero no se mira la calidad de lo que publican. Un ejemplo es su último disco, Rocket Science. No creo que sea particularmente malo. El tema es que es poco original. Lo escuchas y te suena a canciones que ya has escuchado a otros grupos. ¿Qué pasa entonces? ¿Por qué es bien puntuado por estos “críticos”? Si miras la contraportada del cd y ves quién lo edita (Sony, a través de su filial Gun Records), entonces te puedes explicar muchas cosas. No es lo mismo poner mal un trabajo de una discográfica independiente, que a uno que esté cobijado por la maquinaria de una “Major”.
Todo esto viene a cuento de lo que he ido leyendo sobre Of Faith, Power and Glory, el último trabajo de los anglo-irlandeses VNV Nation, auto publicado en su sello Anachron. Ha sido catalogado como repetitivo, flojo, falto de ideas… Y las razones que dan son, cuanto menos, difusas. Sólo dicen que suenan igual que siempre: apelan a eso que se ha dado en llamar sonido VNV Nation.
Estoy de acuerdo, sólo en parte. Ese “sonido” propio era, quizá, bastante reconocible hasta Future Perfect. Con Matter and Form, intentaron dar un vuelco a esta situación (conscientes del estancamiento de su sonido), dejando la producción a cargo de una persona ajena al grupo, aunque no les saliera del todo bien. Y con Judgement retomaron el control de la producción, y empezaron a dejar visibles sus nuevas influencias.
¿El problema puede ser, acaso, que hayan publicado dos trabajos en un corto espacio de tiempo? En abril salió a la venta Reformation 01, y 2 meses después el larga duración. Estilísticamente, pocas cosas tienen en común. En Reformation 01, uno de los cd (y el DVD) están consagrados a sus actuaciones en directo —y aquí sí que habría que darle un buen tirón de orejas al señor Harris, porque cuida poco, muy poco, el aspecto vocal en los conciertos, llegando a sonar realmente mal—, y el otro cd está dedicado a remezclas de los temas de Matter and Form y Judgement y tres temas nuevos, que quizá sí que hubiesen cabido en Of Faith…
Entrando a valorar Of Faith, Power and Glory, lo primero que llama la atención es el intro: Pro Victoria. Una intro épica, que es prima-hermana de los temas que realizaron para The Gene Generation.
Continúa con Sentinel y Tomorrow never comes, quizá los dos temas más bailables de todo el disco. Si hay algo que Ronan Harris sabe hacer como casi nadie es combinar futurepop con unas letras que son de lo mejor que he visto hacer a ningún compositor. Comprometidas. Con sentido. Como compositor, creo que está al mismo nivel, si no lo supera, que Martin L. Gore. Y eso son ya palabras mayores…
En The Great Divide, se notan las influencias que ha ido tomando Harris durante este tiempo. Aquí suena muy parecido a como lo hace su colaboración en el último trabajo de Imatem —Journey—, el proyecto de Peter Spilles, alma mater de Project Pitchfork. Sin dejar de lado ese poso a VNV, suena totalmente distinto.
Ghost y From my hands, son los temas lentos del disco. Distintos. Ghost es un tema oscuro, cadencioso mientras que From my hands, y con el único apoyo de un piano, se marca una canción que es pura nostalgia y sentimiento. También se aprecia que ha puesto bastante cuidado en la producción de la parte vocal, ya que canta mejor que en los anteriores álbumes —y ojalá que lo traslade a los conciertos—.
Art of Conflict es el tema “arduo”: trancero, con un toque techno claro. Recuerda claramente a Momentum o a Entropy (esa gran incomprendida… para mí un temazo, que hace honor a su título… desorden en progreso). No tengo muy claro que sea un tema que se animen a tocar en directo. Quizá para acabar, en algún bis.
Defiant, una rara avis. Lo primero, por su duración. Mientras todos los temas (menos la intro) rondan los 5 minutos, cuando no los 6, este se queda en unos modestitos 3:43. Y otro apunte: usan un bombo para marcar ritmo. Está por ver si lo suprimen en directo, o directamente lo lanzan desde el sintetizador, pero a mí me hace plantear cómo sonaría VNV con una batería tradicional, como han hecho otros grupos en directo: Depeche Mode, Front 242…
Verum Aeternus. Aquí vuelven a variar su sonido, volviéndolo atmosférico, casi hipnótico lanzando continuos arpegios… la voz de Harris se trata como elemento más de la canción, incluso distorsionándola un poco, con efecto de eco. Un tema en el que la batería es protagonista.
Y Where is the light. Es un tema que refleja el gusto que ha cogido el Sr. Harris de cómo cerrar los álbumes: una canción-himno. Que sea fácilmente coreable en los conciertos. La continuación natural de Perpetual, tema que cierra Matter and Form.
Para cerrar: no es el mejor álbum que ha hecho el dúo Harris/Jackson. Pero tampoco es tan mediocre como lo cataloga la “prensa especializada”. Gustará a la mayoría de seguidores de la banda. Algunos se caerán. Y seguro que consigue captar nuevos adeptos. En cualquier caso, lo innegable es el afán de la banda por avanzar en su sonido, innovar sus propuestas. Sin hacer caso a los cantos de sirena de las ventas. Haciendo el disco que a ellos les gustaría escuchar. Y ante eso, hay que quitarse el sombrero.
 

Deni Olmedo

-    Titulo: Today We are All Demons

-    Fecha: 2009
 

-    Discografía: Out of Line
 

-    Componentes: Andy Laplegua
  

-    Nacionalidad: Noruega
 

-    Estilo Musical: TBM, Electrodark
 

-    Página Web: www.combichrist.com

Medio año después del lanzamiento del Frost EP, Andy Laplegua y su tan conocido proyecto Combichrist nos sorprenden con el lanzamiento de un nuevo LP. Esta vez ha elegido distribuirlo en un doble CD en formato Digipack y un doble vinilo con los temas del primer CD.

Calculando el corto periodo entre el anterior disco y este, nos preguntamos: ¿Habra evolucionado el sonido de Combichrist en todos, en algunos o el alguno de los trece temas de este nuevo LP? Veamos.

Tenemos los temas ya incluidos en el Frost EP: Sent to Destroy, tema bastante similar al ya conocido Electrohead; y The Kill, esta vez reforzado en parte con la voz de Andy pero que no aporta nada mas y si destroza un buen tema que debió de quedarse en instrumental.

Después de After Party, All Pain is Gone es el tema de empiece de este disco. Un toque mas electrodark del que nos acostumbra Andy… ¿o es un guiño para que hagamos memoria y recordemos su otro proyecto, Panzer AG?
Kickstart The Fight, Can’t Change The Beat y Get out of my Head son temas mas propios del sonido Combichrist, pero no resaltan ni destacan ante el resto del disco.
Spit y New Form of Silence son temas instrumentales típicos de Combichrist, que tampoco resaltan en demasía.

Después de escuchar una y otra vez este nuevo trabajo, uno se pregunta ¿es bueno?. No es malo, pero tampoco es innovador. Este disco bien puede ser la continuación de What The Fuck Is Wrong With You, nos encontramos con el mismo sonido en cada tema. Algunos de estos temas pueden ir a las cabinas oscuras, pero no quedarían en el recuerdo de la gente como temas a destacar sino como temas de mas. ¿A quien va recomendado este disco? Solo a los seguidores incondicionales de Combichrist.

Sergio Fahrenheit

Aquí os dejamos con el primer trabajo de nuestro nuevo colaborador Tecnosanz!

Pocas crónicas de conciertos se me han hecho tan difíciles como esta, debido a mi amistad con sus componentes, pero lo voy a intentar.
Breton Armada son Luis Prosper (Oviformia Sci, Heroica, “Fangoria”, Nice Day Inc, Actibeat, Men Exposed) y François (Big Toxic, Small Toxic, Dirty Princess, Productor y dj internacional).
Pasadas las diez y media, en la abarrotada Sala La Palma comienza un maravilloso viaje, al pasado y al futuro de la música tecno con mayúsculas, a bordo de una nave llamada Breton Armada. El sonido es perfecto y en el se adivinan ecos de los primeros Human League, DAF, Cabaret Voltaire, Ultravox, John Foxx, Gary Numan, Kraftwerk y Front 242.
Aunque en el escenario sólo se divisan algunos racks, unidades de efectos y un portátil, tras los que se esconde François, por nuestros oídos desfilan una orgía de sintetizadores analógicos, cajas de ritmo de la década de los 70 y secuenciadores monofónicos con acabados en madera y metal.
Al fondo, una pantalla con inquietantes imágenes de viejos documentales y películas en blanco y negro que son el marco perfecto a tan singular espectáculo.
En primer plano, Prosper, elegantemente vestido a modo de croner, con cubata y cigarrillo en ristre, nos envuelve con cáusticas y decadentes letras que nos invitan a visitar el lado oscuro de la vida, como esta: «Un día te despiertas y descubres que tu casa es del banco y que no es tuya, tu trabajo es de tu jefe, tu pareja es de su amante y tu cara es de tu padre y miras al pasado que has tirado a la basura, esquivando la amargura y ese eres tú… En la azotea».
Un diez sobre diez para el debut de Breton Armada. Como avance, además de los 14 temas que sonaron el sábado, están terminando de grabar otros cuatro, para completar el inminente primer trabajo en cd del dúo madrileño.
Por otro lado, el grupo paralelo de François, Dirty Princes, tiene pendiente una gira por Brasil y Rusia, posiblemente con una nueva componente femenina.

Víctor Manuel Sanz de Diego (tecnosanz)
 

-Título: Channel 83

-Grupo: Splatterpunk

-Sello: Caustic Records

-Año de Edición: 2009

-Género: ebm/electro dark/cyberpunk

-Webs:

Splatterpunk:
www.myspace.com/splatterpunk303

Caustic Records:
www.causticrecords.com

Splatterpunk:  Corriente de escritores, criticos y realizadores cinematograficos surgidos a mediados de los 80, que pretenden aportar (y a veces lo consigue) una peculiar sensibilidad punk, critica, existencialista y comprometida, al ejercicio del gore.

Con esta definición, nos encontramos el nuevo trabajo de Óscar Javierre, que nos presenta su primer larga duración titulado Channel 83.
Como si el título del nombre hiciera de canal de televisión real, en este disco de más de 80 minutos, nos podemos encontrar el posible holocausto del futuro, donde las máquinas tomarán el poder, y nosotros, los humanos, seremos meros espectadores de la decadencia de nuestra especie.
En este trabajo, podemos encontrarnos 12 canciones totalmente imprescindibles, junto a 2 remixes (a cargo de Ascii.Disko y Schneider) que harán las delicias de los oídos más exigentes.
Entre los 12 temas, podremos encontrarnos una línea básica de un EBM de finales de los 80, principios de los 90 (¿os suenan Skinny Puppy, Nitzer Ebb, Front Line Assembly?), pero ¡ojo! nada de copias burdas, no: Óscar nos presenta su propio estilo, cogiendo la esencia pura de estos sonidos, pero añadiéndole otros elementos que dotan a todo el disco de un sonido único.
Entre las canciones del álbum, nos podemos encontrar electrónica de todo tipo, desde canciones más rítmicas con los sintetizadores más sugerentes (Futureshock), a temas más modernos de estilo electrodark (bien especiado con los ritmos EBM antes comentados) como Psychoterminal (quizás la mejor canción del disco). También Splatterpunk nos tiene deparadas sorpresas como canciones de corte más ambiental como Self Isolation o High Technology, Low Life.
E incluso hay una canción, donde aparece el sonido que haría el corazón de un robot en el track Robot Interface.
Como anécdota, comentar que, en el último corte del disco, en la canción The Idiot The Mechanical Whore, tiene unos cortes de voz de una persona que pasó 8 años gobernándonos… pero quedará en secreto hasta que podáis escucharlo
En resumen, si eres un aficionado a la música EBM más tradicional este disco debe ser un “must” (como dirían los “modennos”) en tu discografía, ten por seguro que no pararás de descubrir nuevos matices en cada canción, y que tus vecinos acabarán aporreando tu puerta para que dejes de bailar y bajes el volumen del sonido. Si por el contrario, al EBM primigenio no le encuentras más salida y estás cansado de este estilo, este disco te descubrirá nuevas puertas hacia sonidos que te encandilarán y no te dejarán indiferentes.

Recordad… The Future is Now!!!!

TomaHawk

-    Titulo: (AE)quilibrium

-    Fecha: 2008

-    Discografía: Mutant-E Records

-    Componentes: VV.AA.

-    Nacionalidad: España, Chile, Estonia y Holanda

-    Estilo Musical: Electro / Industrial

-    Página Web:
http://www.mutant-e.es/

La edición de un recopilatorio de música española suele ser un hecho bastante inusual. Pero si añadimos a esto el hecho de que es un recopilatorio que junta bandas electrónicas o industriales de nuestro país, ya hablamos de un quasi-milagro. Y quien ha hecho posible esto es la discográfica Mutant-E, un sello formado por gente ya con quilómetros en la escena, ya sea por el lado de la producción musical como en la prensa escrita (en cualquiera de sus formatos). Y que cuentan ya con una nutrida nómina de bandas en su catálogo: Alan Noctis, Baltrot, Blood, Crow Nest, Malkeda, Nido de Maniacos, Psycho Inc, Señor X, Techny-Call X, Time Out y Xperiment.
Y a alguno además les vamos a encontrar en este trabajo, un catálogo bastante ecléctico de veinte temas, en el que la formación se completa con un par de bandas chilenas: Vigilante y Réplica; uno que llega desde Estonia: Forgotten Sunrise y uno desde Holanda: Conteched. A alguno de estos grupos ya les conocía de tiempo (como puede ser el caso de Vigilante, Stigmatroz, InvadersfromMars, Larva o Crow Nest) y a otros les he descubierto en este trabajo, y ha resultado un grato encuentro.

Nos vamos a mover desde el mestizaje de estilos con la acertada mezcla de guitarras y sintetizadores el que hay en Regresarán a mí, de Noesis, o en Time to Kill de Vigilante o en Dissapointment de InvadersfromMars, al electro más minimalista de los estonios Forgotten Sunrise, en Samewonder, o al electrodark, con cierto toque shynth de Réplica, en The Deviant factor (un tema que me recuerda mucho a Diorama), o al Aggro Tech de Xperiment  (que también me recuerdan a otro grupo consagrado, a los mexicanos Hocico, de sus primeros trabajos, y cantando en castellano), de Larva, en Cockroaches o de Stigmatroz, con Autoestima, o un electropunk que bebe de las fuentes de D.A.F. en Das Letzte Mal de Mekanik Disorder, o a la mezcla de techno, EBM e industrial que es Lightstorm, de T3rror 3rror, pasado de revoluciones (por poner un ejemplo, un pariente cercano de Soman).

Pero también hay un hueco para un estilo industrial más "puro", y aquí vamos a encontrar a Blood que aporta el tema Jíbaro, o Killus con Dead Revolution. Mención aparte para Sandstill de Contenched, que bordea el Doom más clásico, con voces cavernosas.

No están todos los que son, pero sí que son todos los que están. Aunque se echa de menos formaciones más electro (seguro que habrían tenido cabida temas de Tannhauser, EGO, Out, o de Tech Nomader… por poner unos pocos ejemplos) y es que, quizá un esfuerzo como este recopilatorio se mereciese aparecer en formato de doble cd, abarcando un poco más de espectro. Ese es mi único pero. Aún así, el tracklist está repleto de grupos que son una realidad, una buena realidad, y a los que recopilatorios tan bien editados y con una producción tan cuidada tanto en el aspecto musical como en del tratamiento de la voz, les hace mucho bien. Y seguro que más de uno de los representados conseguirán dar el salto de ser teloneros de bandas consagradas (como es el caso de InvadersfromMars, Crow Nest, o Stigmatroz), a llegar a ser primeros espadas.

Resumiendo: trabajos como este le hacen mucho bien a una escena que, por momentos, parece quedarse anclada en cuatro grupos  importantes y que es más, mucho más. Hay una gran realidad de grupos que hacen una muy buena música y que merecen una oportunidad de llegar al mayor público posible. Porque calidad tienen.

Bien por discográficas como Mutant-E, que se arriesgan a editar un recopilatorio de este calibre: genial su trabajo de apoyo a los grupos musicales. Y un 10 a RadioUmbria, por implicarse en proyectos como éste, arrimando el hombro desde la promoción.
 

Deni Olmedo
 

No busques el término "Vision Thing" en la wikipedia, no existe, o al menos con la descripción sobre trasplante de globos oculares con la que empieza este cómic de Diego Latorre. De momento (al menos) sólo pertenece al imaginario personal de este gran ilustrador. Forma parte del hilo argumental que sirve de excusa para presentarnos una serie de ilustraciones que no te dejan indiferente por lo macabras y retorcidas.

Un universo único lleno de imágenes espectaculares en un estilo muy próximo a los collages de Dave McKean ("Batman: Arkham Asylum", "Sandman") mezclado con una gran dosis de la mala baba que destilan las viñetas de Ben Templesmith ("Días de Noche", "Días Oscuros") y la sombra del gran maestro Bill Sienkiewicz ("Elektra Asesina", "Daredevil: Amor y Guerra") planeando, y que hasta le dedica unas palabras cariñosas ("Diego es un pedazo de cabrón") en la sobrecubierta.

Imágenes que, por si no fueran lo suficientemente impactantes por sí solas, el autor nos "obliga" a detenernos a buscar las frases y slóganes semiocultos en cada una de ellas ("¿Para cuándo Voll Damm de un litro?").
 
Tremendo universo el de Latorre empaquetado en una cuidada edición para saborear poco a poco como el buen vino, y para releer y degustar varias veces.
Queremos más.

 
M. Zardain

www.NormaEditorial.com

-    Titulo: Soman – RE:UP

-    Fecha: 2008

-    Discografía: Infacted Recordings

-    Componentes: Kolja Trelle

-    Nacionalidad: Aleman

-    Estilo Musical: Techno-Industrial, Rythmic Noise

-    Página Web: www.myspace.com/soman

RE:UP se nos presenta como un EP de unos (pocos) temas nuevos y de remezclas de algunos de los temas famosos del proyecto Soman.

Soman, para los desconocedores, es un refrito bien cocinado de varios estilos: Techno, EBM, Industrial, Trance… donde ha conseguido crear su propio sonido, sonido que todavía no ha sido copiado. Para haceros una idea hace años me recordaba al sonido de Dulce Liquido y Headscan, por citar algunos.

Primero he de mencionar el tema estrella de este nuevo disco: Noise Athem. Una carga de techno industrial contundente, que se ha convertido en poco tiempo en un tema imprescindible para cualquier pista de baile electro. Si bien he oído críticas que lo tachan como demasiado “techno machacón”, pero uno no es purista y siempre mira a los nuevos sonidos de viejos artistas.

Absolution, el tema que abre el EP, es mas propio del sonido Soman, recordándome a temas clásicos como Ruler o Pan Tau por citar algunos.

Hear The Noise, y su remix, son los temas mas “tranquilos” que se pueden encontrar el disco. Tranquilo me refiero a este tema comparado con otros que ha lanzado Soman desde hace años. Algo mas de EBM y electro industrial y menos base Techno.

En lo que resta de disco, destacar el tema original de Divine (quien no lo conozca todavía esta a tiempo de escuchar el tema que dio fama a Soman) y una serie de remixes, a destacar los realizados por Noisuf-X y Acylum.

¿Mas de lo mismo? Alguno pensara eso al escuchar este disco. Personalmente creo que Soman da un paso mas allá, una pequeña evolución a su sonido y eso lo demuestra en los tres nuevos temas. También podemos considerar a este disco como el single de Divine que nunca salió. De una u otra forma, es un disco notable para escuchar… e imprescindible para los fans de Soman.
 

Sergio Fahrenheit

Artista: Qntal

Título: Purpurea

Formato: 2 CD’s

Fecha: 31 de Octubre de 2008

Discográfica: E-Wave

Nacionalidad: Alemania

Estilo musical: Electro–classical–experimental-medieval

Página web:  http://www.qntal.de/, http://www.myspace.com/qntal

Y por fin, una de las más antiguas bandas de electro – medieval del mundo, y sin lugar a dudas, una de las principales, ha decidido reunir las mejores composiciones de las diferentes etapas de su vida para obsequiar a sus fans con una joya digna de colección. Purpurea es el primer álbum recopilatorio de Qntal: un doble CD en el que se ofrecen las más importantes joyas del grupo (olvidando unas cuantas) y algún que otro regalito en forma de remix.

En el primer CD, encontramos un track list bastante apetecible, si bien no representativo (en demasía) de la primera etapa de la banda, con su fundador Ernst Horn. Así pues, el disco se abre con All for One, de Qntal IV: Ozzymandias, un tema perfecto para abrir un nuevo trabajo, aunque no tan destacable como para ser incluido en un recopilatorio. A continuación, Sumer, de Qntal VI: Translucida, abre la veda a los ritmos electrónicos fuertes, vibrantes, con una Syrah pletórica que, como siempre, hace gala de su voz. El primer corte de la etapa Horn, procede de Qntal II; Palestinalied es uno de los platos fuertes de la cara A de Qntal: un tema tranquilo, con una percusión electrónica muy marcada, al estilo del fundador de Deine Lakaien, y con la  sonoridad creciente típica de la banda, que tanta fama trajo antaño al grupo; una delicia. Siguiendo en la fase Horn, la “Joya de la Corona” de este primer  CD, y, probablemente, de toda la carrera del grupo, Ad Morten Festinamus, de Qntal I: ¿qué se puede decir ante tal obra maestra? Es el “buque insignia” de la banda, con aparición obligatoria en este y en cualquier recopilatorio: ritmos oscuros, marcados, melodías atmosféricas, musicalidad creciente… apoteosis musical. Continuando con los ritmos bailables, Flamma, de Qntal IV: Ozzymandias, nos trae la melodía más susceptible de baile de toda esa segunda etapa de Qntal, con Philipp Groth: Flamma es una de las canciones más significativas de la banda, con una sonoridad muy conseguida, debido, en gran parte, a la inclusión de los sonidos de órgano en los pasajes más críticos de la canción, lo cual la dota de cierto misticismo. Nihil y Am Morgen Fruo continúan con los tempos allegros, hasta llegar a Altas Undaz, de Qntal V: Silver Swan, donde se recuperan los ritmos melosos del, en mi opinión, el peor disco de la banda. Cupido, de Qntal IV: Ozzymandias es otro tema fácil de pinchar en una fiesta, precediendo en este recopilatorio a Departir, uno de los temazos de Qntal VI: Translucida, Von den Elben, single de Qntal V: Silver Swan y, para concluir este primer CD, Entre moi et mon amin, de Qntal III: Tristan und Isolde (en mi opinión, uno de los mejores discos de Qntal, del que se han olvidado completamente).

En el segundo CD, encontramos remixes y rarezas de algunos temas de Qntal; algunos de ellos, ya publicados anteriormente, y otros, completamente nuevos, además de dos temas inéditos.

En primer lugar, encontramos 292: A Darker Shape Mix, un remix ya publicado de la canción 292 de Qntal V: Silver Swan: una verdadera joya de la que uno no se cansa, y de las pocas canciones salvables de dicho disco. En segundo lugar, Lasse, de Qntal III: Tristan und Isolde, otra verdadera joya de la carrera de la banda germana, tema, además, con el que servidor los conoció: un compendio de precisos sintetizadores que se abrazan con los serenos cantos de Sigrid Hausen. La Froidor: Version Noir es una versión de la canción de mismo título de Qntal VI: Translucida, un tanto más electrónica y oscura, con ritmos más marcados y sonidos más experimentales. Gloäcies: Obscurus Mix es uno de los platos fuertes de este segundo CD: un tema más centrado en la electrónica que en la música antigua, que trae flashes de un lejano Ad Morten Festinamus, siempre con el toque Qntal, aunque esta vez, más extrañamente propio de Ernst Horn que de Philipp Groth. Veni: Filthy Floor Remix, una de las piezas más aplaudidas en los últimos directos de la banda, un tanto desconocida, en la que el disco recupera la mezcla de armonía melodiosa y ritmo percutido para hacer las delicias de algún que otro DJ descarriado. Recuperando la tranquilidad, Rose in the Mor nos trae uno de los toques más melancólicos y oscuros del recopilatorio, además, con la participación de Michael Popp en las voces. Noit e Dia: Candidus Mix, de Qntal IV: Ozzymandias, nos trae de nuevo el ritmo ya característico de este segundo CD, con unos samplers muy ambientales, que dan a la canción un toque de divinidad único. Unmaere, uno de los nuevos temas: ni fú ni fá. Un tema lento, precioso, de melodía perfectamente ensamblada, ambiente muy logrado, samplers muy currados… pero que me deja un tanto indiferente después de haber oído un repertorio tan magnífico. Rot mezcla, con maestría y originalidad, las mejores melodías medievales, precolombinas (algo inédito en la banda) y electrónicas, consiguiendo un tema que roza la corrosión, sin llegar a perder la elegancia característica de las composiciones del grupo. Una de las melodías que más cambios ha sufrido en su remezcla, Ecce Gratum: Novus Mix, conforma el ensemble perfecto, junto a Rot, en este segundo disco: un tema en el que una primera voz de Syrah, que canta una melodía dos intervalos tonales más por encima de la melodía típica, y sin variación tonal, va disminuyendo gradualmente de volumen hasta dejar paso a una segunda voz, también de la vocalista, que entona la melodía típica de la canción. Además, se conserva la zanfona, combinándose con ritmos muy peculiares, que nos vuelven a recordar a Ernst Horn, o, incluso, a Helium Vola. Ludus, de Qntal VI: Translucida, es otra joya del último trabajo de Qntal, que se plasma tal cual en este segundo CD. Levis: Half Light Remix, de Qntal V: Silver Swan, es el otro tema “muy salvable” del quinto disco de los germanos, además, bastante arreglado en esta reedición, introduciéndonos en un ambiente óptimo para el cierre del recopilatorio: Slahte Wille, el otro tema nuevo de Qntal, cierra este trabajo de recopilación transportándonos a las atmósferas de aquel memorable (valga la redundancia) Remember Me, o del mismísimo Passacaglia.

En definitiva, se echan a faltar varias joyas de la banda en este recopilatorio, como Rossinhol, Maravillosos, Amor Volat, Vedes Amigo o Non sofre Santa Maria, cosa normal, por un lado, si tenemos en cuenta que resumir una banda de tan prolífica calidad en dos CD’s no debe de ser fácil. No obstante, se ha abusado de los temas de los últimos discos (sobretodo de Silver Swan), lo cual, de haberse hecho bien, podría haber dejado algo de espacio a las viejas joyas de la banda. Posiblemente sean técnicas de marketing.

Aún así, es un trabajo muy recomendable, tanto para fans veteranos, los cuales disfrutarán muchísimo con los remixes del segundo CD, como para los neófitos, que podrán conocer más en profundidad la historia musical de la banda. Yo, desde luego, encantado quedo.
 

Mr. Kozu

FRONT 242 + Chimo Bayo + Destroid
Barcelona, Sala Apolo, 22/11/2008
24 € anticipada (28 € en taquilla)
Apertura de puertas:  20 horas.

¿A cuántos conciertos de Front 242 habré asistido ya? La verdad es que cuando compré la entrada lo pensaba, y haciendo memoria, me salen 5. Así que con este, 6. Si fuese cualquier otro grupo, ni me lo habría planteado, pero siendo el cuarteto belga… Además, había otros alicientes. El primero Destroid. Ya había visto en directo al señor Myer, pero como invitado: primero acompañando a Tom Shear en el concierto que Assemblage 23 ofreció el verano pasado en Barcelona y el segundo en el Dark Xmas Festival del año pasado, sustituyendo a Clas Nachmanson en Covenant. Aquí ya tuvo un protagonismo más acusado, retocando algunos temas del ex–trío sueco en su particular manera de ver la música (con mayor o menor acierto, eso sí). Tanto protagonismo ha alcanzado, que ya es miembro de pleno derecho. Y el otro aliciente, que no sé si llamarlo así (morbo, curiosidad…) era ver a Chimo Bayo, a quien se colocaba en el cartel por encima del grupo alemán.

A las 20 horas, con puntualidad británica, puertas abiertas. Mucha gente esperando, buena señal. En taquilla se había colgado el cartel de “No hay billetes”. Mirando la entrada, está programada la primera actuación, Destroid, para dentro de media hora. Y sí, a las 20:35, aparecían en escena Daniel Myer y Rinaldo Bite. Una mesa en medio del escenario, dos portátiles, dos teclados y una mesa de mezclas. Con qué poco se puede hacer música. Y nada de tantear, directamente a por faena. Sin pausa entre tema y tema, enlazándolos. Caen Revolution y Bird of Prey de su último Loudspeaker. Curiosa la manera en que Myer transforma la voz, melódica en la versión del disco, en aspera… agresiva, en directo. Puro espectáculo que acabó con un tema de Haujobb, The noise institute… pasado de la misma manera por el tamiz de la voz áspera del señor Myer en directo… se hizo corto, muy corto.

Sin casi tiempo para comentar la primera actuación, se vuelven a apagar las luces y empiezan a sonar una introducción apoyada por imágenes en las que se nos muestra a Chimo Bayo transformado en boxeador…No hay músicos. Nadie se ha preparado para apoyar a Chimo en los teclados (¡Qué miedo!). Y aparece, como transportado desde el pasado, con su eterna gorra (¿no se la quitará nunca?), sus gafas oscuras con sus lucecitas laterales, y su chaqueta cyber atacando a la ya atestada sala con sus característicos uh-há… uno tiene la sensación de estar viendo un espectáculo cómico-circense, como una especie de caricatura de sí mismo, el personaje que se ha creado en La hora chanante. Y comienza atacando fuerte: Así me gusta a mí. Instalado en uno de los laterales de la sala, me fijo en la gente que está en el centro. Bailan como posesos. Y sólo con el primer tema… Chimo Bayo mientras tanto, en su salsa… apoyado por imágenes del video clip original, en el que se le muestra 14 años más joven. Continúa con Bombas para alcanzar la apoteosis con La tía Enriqueta… toda la sala (incluido un servidor) bailando sin parar. La lástima es que para terminar su actuación lo hiciera con un tema quizá en exceso largo y nuevo, mientras la concurrencia le pedía constantemente que interpretase Química… no lo hizo y acabó su actuación… Muchas risas y buenos bailoteos para una actuación que era la incógnita de la noche.

E igual que antes, casi sin solución de continuidad, de nuevo las luces se apagan y comienzan a aparecer imágenes en la pantalla y a sonar música. Reconozco que me llevé una pequeña decepción. Las últimas veces que les he visto, siempre han comenzado con el mismo tema, que es uno de mis preferidos, Happiness y esta vez no es así. Si algo me ha gustado siempre de los conciertos de Front 242 es que son espectáculos con mayúsculas. La multimedia que acompaña al grupo siempre es distinta y es de agradecer (que se note que pertenecen al grupo de creadores Art & Strategy). Pasa lo mismo que con Bayo… con el primer tema, la gente está ya entregada. Y si alguien quedaba que no lo estuviese, con el segundo cayó rendido. La versión de Religion que tocan en directo es demoledora. Mezcla de versión del álbum, mezcla de la remezcla brutal que hicieron The Prodigy. Y mezcla de reinterpretación (o actualización, como se le quiera llamar). El resultado es como decía, demoledor. Y si algo me gusta también de sus (últimos) directos es que han recuperado sus temas más antiguos: Commando Mix, No Shuffle, Funkahdafi, Kampfbereit, Don’t Crash, y mezclándolos con otros más ¿movidos? O simplemente más conocidos para la mayoría de los asistentes: This world must be destroyed + Moldavia, Welcome to Paradise y alguno de su último disco de estudio, como 7 Rain. El resultado: un concierto desigual, con altibajos de ritmo, pero de mucha calidad (cosa que no se les puede dejar de exigir a un grupo con más de 20 años de carrera a sus espaldas). Y como es costumbre en sus últimas apariciones en directo, dieron por finalizada su actuación con Headhunter, el tema estrella del grupo (que aunque me encanta, creo que hay otros que están a su altura, y que no interpretan en directo desde hace mucho tiempo. ¿Un ejemplo? Tragedy >for You<). Sin hacerse de rogar mucho tiempo, reaparecen en escena, tocando un par de temas, terminando con su insustituible Punish your machine. Algo distinto, mucho más agresivo desde el principio (si eso es posible…) con todo el protagonismo para Richard DeJonckeere.

¿La sensación final? Que se hizo corto, demasiado corto. A pesar del agobiante calor que hacía en la sala (ya sé que estamos en Noviembre, pero ¿a nadie se le ocurrió pensar que una sala a reventar es un microondas llegado un punto de la tarde?) y a pesar del caos en que se convirtió el hacer cola para recoger la chaqueta (tres cuartos aguantando que la gente se colase, hasta que la organización intermedió un poco para organizar la cosa). Pero, a pesar de estos dos pequeños lunares, y ya con tiempo de reposar el concierto y pensar qué me gustó y que no, me quedo con una frase que se me ha grabado en el cerebro y que cada vez que escucho a los 242 vuelve sin cesar:

I feel so fucking alive

Amén.

Deni Olmedo

29 de Octubre de 2008, Elche, Iglesia de San José.

Mientras conduzco mi C3 hasta la vieja ciudad de Elche, lugar donde se respira historia en cada rincón de su geografía, voy creándome expectativas de un concierto que, aún con un repertorio explotado hasta la saciedad, no pierde ni un ápice de la belleza que le corresponde. Llegamos a la Iglesia de San José. El cigarro se consume en mis manos. El tumulto de personas para asistir a la actuación de Phoenix Consort Illice es considerable: gente de todas las edades (para mi sorpresa) se concentra en la puerta de la iglesia. Comentan, a un lado, que el grupo está formado por experimentados integrantes del Conservatorio de Elche, que decidieron crear esta formación para cubrir el hueco de músicos de instrumentación antigua, hecho inconcebible para una ciudad con una tradición músico-medieval del bagaje del aclamado Misteri d’Elx (patrimonio abstracto de la Unesco), y con trece ediciones de festivales medievales bastante promovidos desde las esferas públicas. Al otro lado, un grupo de ancianos se santiguan al ver nuestras botas.

Cuando nos lo indican, entramos a la iglesia y tomamos asiento. En pocos segundos, la iglesia se llena (ni un solo sitio para sentarse). Un altar bastante bien iluminado, que crea una atmósfera cálida, histórica, que transporta a épocas en las que los templos eran bastante más concurridos que ahora. En pocos minutos, comienza la actuación.

Suena una tímida voz que entona la delicada O Virgo Splendens, a la que se le agrega una segunda voz al poco tiempo. Cuánta belleza puede encerrar una pieza  tan exquisita y, a su vez, sencilla. El sonido retumba en la piedra de la iglesia y yo me estremezco conforme se va elaborando la melodía. La siguiente pieza es Stella Splendens in Monte, versionada por infinidad de grupos afines al mundo oscuro (Qntal, In Extremo…): es el primer momento de éxtasis musical, que nos introduce de lleno al corazón del Llibre Vermell de Montserrat.  Splendens Ceptígera nos transporta, casi sin quererlo, a un embelesamiento que se rompe con la llegada de Los Set Goytx Recomptaren. Hasta este punto, no obstante, algo fallaba en la instrumentación: la viola de gamba estaba desafinada, por lo que había que ajustar la afinación. Los Set Goytx Recomptaren arrancó el primer aplauso de un público que, tímido y respetuoso, temía quebrar la concentración de los músicos. Sencillamente, sublime. Para no perder el ritmo, la pieza más conocida del Llibre, Cuncti Simus Concanentes, en la que el crescendo sonoro embriaga hasta el punto de convertir el templo en casi una fiesta; la interpretación, magistral, con unas voces (María Mateu e Isabel Albadalejo) más que cuidadas, delicadas, pero con enorme potencia al mismo tiempo. Desde luego, nunca me sentí tan inquieto en una iglesia. Polorum Regina nos trae de nuevo a la calma, para finiquitar la primera parte con Inperayritz de la Ciutat Joyosa y, por último, el plato de mejor gusto: Ad Mortem Festinamus. El público era ya una fiesta, los músicos se crecieron al ver la reacción de la gente, y todo en su conjunto, hizo del final de esta primera parte, un broche de oro para una jornada de un festival medieval de la envergadura de éste.

En la segunda parte se interpretó, en primicia, el Cant Valencià de la Síbil·la, según una reconstrucción de J. M. Vives Ramiro. La iluminación y la puesta en escena, perfectas: se iluminó todo el pasillo central del templo, y la mismísima Síbila (Isabel Albadalejo) se acercaba hacia el altar, donde comenzó su interpretación: Una voz casi desgarradora, con una pasión contenida y un brillo particular que, casi parapsicológicamente, transmitía al público toda la fé que se depositaba en la Virgen en la Edad Media, como figura intercesora entre el hombre y el Juicio Final. Un colofón final que hizo, de la de aquél miércoles, una tarde digna de recordar.

Fue un acercamiento más a la cultura europea, y más concretamente, mediterránea, de unos tiempos en los que el oscurantismo venía dado por la religión… casi igual que en la actualidad. En cuanto a Phoenix Consort Illice, en mi humilde opinión, merecen un 9.

Mr. Kozu

—Título: Straftanz – Forward Ever, Backward Never

—Fecha: Junio de 2008

—Discográfica: Scanner

—Componentes: k-x J-ing Cyberdominator

—Nacionalidad: Alemania

—Estilo musical: Electro, Industrial, EBM.

—Página Web: 

http://straftanz.de

http://www.myspace.com/straftanzmusic

Deni Olmedo

Los amigos de Blood, llegan a las navidades con un regalo inmejorable…su 4º disco de estudio!

De nuevo, José, Javi y Mado, nos presentan su música con influencias de metal industrial, pero en esta ocasión, más cañeros y con un sonido increíble!

El disco se llama Seppuku (el seppuku era una práctica común entre los samuráis, que consideraban su vida como una entrega al honor de morir gloriosamente, rechazando cualquier tipo de muerte natural. Por eso, antes de ver su vida deshonrada por un delito o falta, recurrían con este acto a darse muerte), y contiene 7 canciones completamente nuevas, más 3 remixes a cargo de grandes bandas como Turmion Katilöt, Replica, o Animassacre.

El disco ha sido grabado y pasterizado en los estudios Visual Sonora de Villena, mientras que ha sido remasterizado, nada más y nada menos que por Alex Krull de la banda Atrocity. Así que, seguro, el disco va a tener un sonido espectacular.
Empieza el nuevo trabajo, con el tema Progenie, que al principio tiene unos sintes y  teclados muy marcados, que guiarán el ritmo de todo el tema, y ya a los 50 segundos, empieza la voz de José, tan característica y personal, acompañada de los guitarreos marca Blood. Esta canción nos adentra en lo que será la tónica del disco, sintetizadores más marcados, guitarreo duro, y letras y estribillos pegadizos.

A continuación, llega uno de los temazos del disco: Vudú, que en esta ocasión, no está el teclista Skanner como en todo el disco, si no el teclista de la banda Crow Nest. En esta canción, Blood nos presenta su versión más electrónica, con una mayor importancia de los teclados, y con un riff de guitarra que hace mover el cuerpo sin parar. Sin lugar a dudas, una canción que tendrá gran éxito entre el público.

Ya en el tercer tema, con un ritmo más lento y pesado, llega Ión +, donde las guitarras tienen más presencia, y las teclados solo aparecen puntualmente para dotarle a la canción de un toque menos pesado, y edulcorarlo más, por decirlo de alguna manera.

Con Exílio llega la fiesta, con una introducción cañera  muy rollo techno, que de seguro, en los directos, hará saltar a la gente como locos, y será de las favoritas del disco sin duda. Contiene todo lo bueno de Blood, y lo mejora. El ritmo de la canción está bien marcado, tiene subidas y bajadas de velocidad, para no hacer descansar al público, y para colmo, hay un punteo de guitarra que hará las delicias de los oyentes.

La quinta canción, Jíbaro, es un tema que si no supieras que son Blood, claramente dirías….estos suenan a Blood por los 4 costados. Guitarras machaconas, teclados de fondo, gran batería de Mado…en fin, Blood 100%.

El penúltimo tema, Red de Indra, sigue la tónica marcada por la anterior canción, pero dándole más importancia si cabe a la batería, con la voz de José dando guerra, y la guitarra de Javi afilando las cuerdas…tema muy en la onda de lo que nos tienen bien acostumbrados estos alicantinos.

Y por último, nos llega la sorpresa del disco, se llama Apóstol, y se podría considerar una….BALADA!!! Si lectores, Blood se han marcado una balada, y les ha quedado genial! Dejan de lado las guitarras y la batería (en la mayor parte de la canción), nos presentan una baladita electrónica, muy al estilo synthpop, futurepop….vamos, electrónica oscura tranquilita. Una canción diferente, que a mi gusto, queda muy bien para terminar el disco, y poder relajarnos después de un disco tan cañero como el que nos han presentado en esta ocasión.

Por último, cierran el disco 3 remixes a cargo de bandas como Turmion Katilöt (TK) (con Gótika), por Skanner (de la banda Replica, con la canción Conciencia), y por último, Animassacre ( con Egos).  En este disco, se han cuidado mucho los remixes, y no hay remixes de relleno como podría ocurrir en sus anteriores trabajos, el primero, es la leche! Han cogido la mala leche de su banda (TK) de la electrónica, los beats endiablados, y han cogido la voz de José, la han pasado por un filtro, y tiene un aspecto fantasmal…repito, me encanta esta canción!! Se han fusionado dos de mis bandas preferidas, y el resultado no podía salir mal

El siguiente turno le toca a Skanner, y teniendo el listón tan alto como lo han dejado TK, podría acabar en tragedia, pero no. El teclista de Replica ha hecho una versión bastante más fiel a la original, pero añadiéndole unos teclados y sintetizadores muy acertados, que dotan a la canción de otro aire mucho más electrónico.

Y ya por último, acaban Animassacre. La banda búlgara (desconocida por mi hasta el momento) hacen otro remix al estilo TK, caña a raudales, siguiendo el ritmillo de la original, cogiendo el estribillo de la canción, y metiéndola donde cuadra, dejándola de lujo. Un caos sonoro, que suena estupenda, y que los oídos más finos, fácilmente no la soporten.

Como resumen final, tengo que decir que Blood ha dado un salto de calidad enorme, y que ya tienen más sonido Blood, que sonido Rammstein. Ya se han quitado la losa de encima, y ahora ya se nota su estilo bien definido. Ahora ya son ellos, ahora las etiquetas sobran.

Para acabar, decir a los que me lean, que el disco, además de las 10 canciones (7 originales y 3 remixes), nos ofrece un bonustrack, con la canción Red de Indra, con unos coros que dotan al tema de un toque más sinfónico y suave. También, y para rematar la faena, nos ofrecen su videoclip del tema Gotika y un libreto muy completo y muy bien diseñado (a cargo de Robert Martex) con todas las letras del disco.
Con este disco, Blood deben dar el gran salto al público general de una vez, y consagrarse en la escena metalera de España, y esperemos, que salgan a Europa a demostrar su talento, que se lo merecen.

“ya no hay perdón, yo te maldigo, muerte veo en ti, muerete, muerte veo en ti, sientes vida, no ves la muerte”

-Titulo: Nachtmahr – Feuer Frei

-Fecha: 2008

-Discografía: Trisol Music Group GMBH

-Componentes: Thomas Rainer

-Nacionalidad: Austria

-Estilo Musical: Industrial, Harsh Electro, TBM

-Página Web: http://www.myspace.com/nachtmahrprojekt

Nachtmahr era un nombre desconocido para mi. Dicen que sacó un EP que a la semana se agotó, con un tema rompedor (Boomboomboom). Que es un proyecto de Thomas Rainer, muy conocido por la formación L’Ame Immortelle y por su otro proyecto Siechtum (mas tirando al Industrial Noise). Pero fue al escuchar en su Myspace fragmentos de su primer LP cuando me decidí a comprarlo.
Thomas Rainer nos presenta, en su nuevo trabajo Feuer Frei!, once temas que no dejaran a nadie indiferente y que muchos son llamados a convertirse en clubhits. En especial el último tema: Katharsis, elegido como nuevo single en compañía del tema homónimo de este CD.
Definir el estilo actual de Nachtmahr es un poco difícil, dependiendo del tema podemos hablar de electrodark contundente o de Techno Body Music/ Harsh Electro muy machacón en los temas instrumentales.
Como ejemplo de estos temas instrumentales tenemos Leistung y Endzeitstimmug, con un ritmo muy rápido y frenetico; Karussell e Ich Glaube, con un ritmo mas moderado pero muy enérgicos.
El tema homónimo del proyecto Nachtmahr, Feuer Frei!, Opferzeit y Katharsis son temas cantados por Thomas con voz desgarrada y gutural. Todos temas muy recomendables y difícil de seleccionar de entre todos ellos uno solo.
Estamos ante uno de los discos estrella de este año. Siempre es de agradecer la aparición de nuevos proyectos musicales, y Feuer Frei! es la consagración de Nachtmahr como proyecto de electrónica oscura y una autentico soplo de aire fresco. Un disco sobresaliente, una compra muy recomendable y una imperiosa necesidad de escuchar continuamente este trabajo.

Sergio Fahrenheit

18 de Octubre de 2008. Barcelona. Sala Bikini. 21:30. Uno de los conciertos más esperados por el gran público, tanto gótico como metalero, por fin llega a nuestro país, tras su paso, el día anterior, por Madrid, la afamada banda alemana “Lacrimosa”.
Se presentaban solos, sin teloneros (aunque en la entrada pusiera lo contrario), así que nos esperábamos un concierto digno de mención, o incluso, la posible participación como teloneros de Snakeskin, pero finalmente, “sólo” pudo ser la primera de las opciones: asistimos a un concierto que deja huella.
El concierto empezó con la sala casi llena (según me contó gente de Barcelona, no había visto a tanta gente oscura reunida en un concierto en años!)y empezó a eso de las 21:20 con la canción que usan como introducción “Lacrimosa Theme”, con la llegada de los guitarristas (Jay P Genkel y Dirk Wolff), bajista (Yenz Leonhardt, flipante), el batería (Mane Uhlig), y la teclista, y parte fundamental de Lacrimosa, Anne Nurmi.
Tras la breve introducción, comenzó a sonar el primer tema del concierto “Ich Bin Der Brennende Komet”, donde, tras empezar a tocar toda la banda, se escuchó la voz de Tilo, sin aparecer aún por el escenario…haciéndose derogar, hasta que, tras unos 20 segundos, apareció en el escenario para deleite de los allí presentes.
La primer canción fue un golpe en la frente para quienes se esperaban un concierto más tranquilo, pero nada más lejos de la realidad, era casi un concierto de metal, y eso…a todo el mundo le hizo moverse con muchas ganas.
A continuación tocaron 5 de sus mejores canciones del tirón: “Schakal”, tan lenta, tan pesada, tan sinfónica…tan oscura, que impresionó verla en directo (con el toque mágico cuando Anne empieza a decir cosas en un idioma que el que escribe no sabe cual es ni que dice); “Alleine Zu Zweit”, un hit más lento, más sensual, como el videoclip que se proyectaba detrás de la banda. Aquí el dueto entre Tilo y Anne, fue de lo mejor, notandose la complicidad de ambos en coqueteos, miradas, gestos…
Al acabar este tema, dio paso la canción más oscura de todo el concierto, “Satura”, que acompañada del videoclip, dio una atmósfera increíble, que con los guitarreos, le dio más poder a la canción. “Kelch Der Liebe” fue la siguiente canción, que resucitó al público ahí congregado, que se iba metiendo poco a poco en el concierto, y cada vez se veían más saltos, movimiento entre las filas, y se oían más coros y cada vez más altos. Lacrimosa estaba resultando victoriosa en este concierto, se estaba llevando de calle a uno de los públicos más difíciles de España. Por último, “Malina”, que con ese teclado, acompañado de los movimientos de manos de Tilo, nos metía en los Lacrimosa más animados y movidos, para dar paso, a dos canciones cantadas por Anne Nurmi.
“Not Every Pain Hurts” y “Apart” fueron las elegidas para demostrar la tan criticada voz de la señorita Nurmi. En estas canciones, con Tilo a los teclados, Anne nos demostró que sabía cantar (no es una soprano ni una vocalista increíble, pero se defiende, y según parece, cada vez más) y que podía mantener el peso del concierto por ella misma, pero la selección de estos dos temas, tan seguidos, y tan lentos, cuando el público se estaba entregando…nos apagó. Hubo gente que le gustó (a mi me gustaron, pero repito, me apagó) pero creo que tenían que haber elegido una, o haber puesto las 2, pero separadas, porque eran como 10 minutos de relax cuando más acelerado se estaba.
Al acabar los 2 temas, llegó Tilo para solucionarlo, y nos ofreció una canción con un ritmo y estribillo que nos reenganchó a todos con una facilidad abismal, se trató de “Alles Lüge”. Tras la misma, el público ya se entregó del todo, y todas las canciones siguientes, fueron bailadas, cabeceadas, coreadas, saltadas….y llegó el turno de las canciones “Letzte Ausfahrt” y “Halt Mich” que no hicieron más que seguir animándonos hasta uno de los momentos álgidos de la noche: la interpretación de “Durch Nacht Und Flut”, una de las grandes canciones de la discografía de banda alemana, y que para colmo, y como deseaba, acabaron cantando en un castellano bastante entendible que ya fue el subidón del todo para nosotros. Se notaba en la cara de Tilo que había conseguido lo que deseaba, se le notaba contento y satisfecho…
A continuación, se tomaron un descanso merecido, para reaparecer tras los gritos de “Lacrimosa! Lacrimosa!” o “Otra! Otra!”, con otros 3 trallazos como son “Der Morgen Danach”, cantada por todo el público, incluso Tilo poniéndonos el micro para que se nos escuchara bien. A continuación, llegó su último single, “Lichtgestalt”, con el público a sus pies, no hicieron más que disfrutar tocándola, con ese ritmo tan marcado, y con la música subiendo a toda velocidad, para llegar a un culmen de luces y griterío que se apoderó de la canción del principio al final. Ya por último, tocaron “Ich Verlasse Heut Dein Herz”, donde ya se relajó la cosa, cantando Tilo, y cuando acabó su parte (unos 2 minutos aprox.) se fue del escenario, dejándoselo todo a la banda, desplegando su virtuosismo y buen hacer. Al acabar la canción, se fueron del escenario, haciéndonos creer que ya había acabado…pero no podían irse sin tocar “Copycat”.
Así que a los casi 5 minutos, con la gente ya desesperada y con miedo de que se hubiera acabado, volvieron al escenario corriendo, para tocar “Senses”, una canción romántica, suave, con la voz de Anne en su esplendor y que dio paso a otro de los clásicos que Lacrimosa tiene, y no habían tocado: “Stolzes Herz”, comenzó suave, como debe ser, pero en cuanto empezó la parte fuerte….nos dieron todo eso y más, dejándonos con ganas de más, con ganas de disfrutar de más concierto, si seguían así…se podían pasar toda la noche y el público no se cansaría…esta canción gana muchísimo en directo, tiene un halo especial.
Tras finalizarla, se volvieron a despedir por unos segundos…y Tilo, nos habló más que en toda la noche, diciéndonos, que para acabar el concierto, no podían hacerlo de mejor forma, que con una canción que salió en el año 1995, en el disco “Inferno”…ahí el público empezó a gritar porque sabían lo que venía….”Copycat”.
Tilo se quitó la chaqueta, Anne se fue del teclado…y empezó un espectáculo digno de verse. Anne bailando cual gogó, moviéndose sensualmente de un lado a otro, Tilo desgañitándose, cantando lo más agresivo que podía (y es mucho), los guitarristas, el bajista y el batería dando tralla sin parar…en fin, un final de  concierto INCREIBLE, me dejaron boquiabierto y que dejaron al público exhausto.
Tras este gran final, la banda se despidió definitivamente, tras un 3 o 4 minutos de aplausos seguidos, con la banda realmente satisfecha y contenta (se les notaba en la cara, aunque sean alemanes ) y con el público asistente, feliz de haberse dejado el dinero en la entrada de este espectacular concierto.
Lo mejor del concierto sin duda fue la actitud de la banda, que tras haberse pateado todo el mundo durante casi 2 años, seguían llenos de vitalidad, con ganas de darlo todo. También a destacar, la voz de Tilo, que realmente es increíble, especial, pero increíble, consigue llegar a unos registros muy agudos y muy graves sin despeinarse, al igual que su pelo, increíblemente inamovible durante todo el concierto…¿qué hará con ese mechón blanco y esa melena para que no se despeine?
Lo malo, por otra parte, fueron temas de sonido, el guitarrista Jay P Genkel, que estuvo más pendiente de los problemas de sonido de su guitarra, hablando constantemente con su técnico de sonido, que del concierto en sí, y el sonido del teclado de Anne y su voz, que en ocasiones, quedaban eclipsados por las guitarras y bajo.

En fin, una experiencia increíble, y para el que escribe, digna de repetirse. A quién no fue por miedo o por dejarse mucho dinero, decirles que es una banda que en directo convencerá a cualquiera de que es una grandísima banda, y que los casi 20 años que llevan en directo, se notan, y son unas fieras del escenario.

Artista: Combichrist Título: Frost EP, Sent to Destroy

Fecha: 27/06/2008

Sergio Fahrenheit

Día 12 de septiembre, tras 4 horas y media de viaje desde Valencia a Zaragoza, y con una bienvenida muy fría por parte de la ciudad maña, empieza la experiencia “Anthony & The Johnsons”.
Tras mi acogida por los grandes amigos Esther y Gux, y su hospitalidad, partimos hacia la Expo 2008 con un frío del carajo.
Tras esperar casi 45 minutos entre la compra de la entrada y la apertura de puertas a la expo (cosas de la organización para la Expo), entramos al recinto. Espectacular zona que se han currado para la Expo, la verdad, todo bien iluminado, bien montado…la putada fue el no poder entrar a algún país, por las horas que eran y por las prisas de coger sitio para ver el concierto.
Bueno, a lo que iba, que me voy por las ramas.
El concierto, con más gente de la que pensaba (aforo al 90% fácilmente) empezó con un pequeño retraso de unos 15 minutos. Una vez montado todo el escenario, con sus velas, el piano, los instrumentos de los 30 músicos de la orquesta de Roma….
Con un viento, que sería la nota predominante de la noche, y que dotaría de un aspecto mágico al concierto, llegó Antony, con una túnica color crema, y se puso en mitad escenario de pie, frente al público, y al micrófono.
El concierto empezó con Misteries of Love, lenta, suave, con la orquesta deleitándonos con un exquisita interpretación de todos y cada uno de los temas.
A continuación, y siempre con un sonido perfecto, en el cual se podía escuchar cualquiera de los instrumentos, nos fue desgranando algunas piezas clave de su discográfica tales como: Cripple and Starfish, I Felt in Love with a Deda Boy, Today I´m a Boy, Rapture…con un montón de canciones de su próximo disco que saldrá a finales de este año.
Esto hizo que el concierto perdiera parte de su encanto, porque las canciones nuevas fueron unas 5, y casi nadie (por no decir nadie) del público se las sabía, por lo que no nos llegamos a meter del todo en el concierto, y eso fue una lástima.
Pero bueno, pudimos comprobar de buena mano, que los nuevos temas tendrán la misma calidad que los dos anteriores discos, y eso es muy buena señal.
¿Qué decir del concierto?
Pues que el señor Antony demostró que tiene una voz acojonante, que sin apenas esfuerzos consigue llegar a los registros que él mismo desee y se marque como límites.
Hubo un momento que fue gracioso, había escuchado y leído que hacían una versión del tema de Beyoncé “Crazy in Love”, y no sabía como quedaba en el concierto, y sinceramente, me impresionó como cambia la canción de un estilo a otro….INCREIBLE!!!
También comentar, que el concierto acabó con la canción, River of Sorrow, la cual, al finalizar, mantuvo al público durante muchos minutos aplaudiendo, tanto la canción, como a todo el elenco de músicos, el director de la orquesta, y el propio Antony.
Por último, y como detalles negativos (sólo detalles) podría nombrar la poca duración del concierto, apenas unos 70 minutos de concierto (muy justos) cuando estaba programada la hora y media, el viento que hacía que nos congeláramos cada 2×3, y, repito, la no inclusión de temas clásicos, y sí, a mi parecer, demasiadas canciones nuevas.
Por el contrario, como aspectos positivos y curiosos, el buen hacer de todo el grupo de músicos y cantante, los intentos de hablar Antony en castellano, el discurso que mantuvo Antony con el megáfono de la Expo, porque no le dejaba hablar y le interrumpía cada segundo, y la salida a la primera canción de parte del público, que seguro que no se esperaban un concierto como ese, que está al alcance de pocos oídos (sí, seguro que con esto me gano enemigos ).
En fin, un concierto para el recuerdo, y que espero, que os haga encontrar en la banda Antony and The Johnsons un grupo para disfrutar completamente.
Yo, personalmente, pienso ir a los conciertos que estén a mi alcance, ya que conseguir que se me erice la piel y desatara los sentimientos como hicieron ellos aquella noche, pocos, por no decir nadie, lo había conseguido en directo.

Vídeo de la canción "Cripple & Starfish"
Vídeo de la canción "I Fell In Love With a Dead Boy"
Vídeo de la canción "River of Sorrow"
 

Artista: Deine Lakaien

Título: 20 years of electronic avantgarde

Fecha: 20 de Junio de 2007

Discográfica: Premium Records

Nacionalidad: Alemania

Estilo: Neoclassical – Darkwave

Página web:

http://www.deine-lakaien.com/, 

http://www.myspace.com/deinelakaien

En este dvd, tributo a esos veinte años de carrera ininterrumpida, encontramos una verdadera joya de la audición. 20 years of electronic avantgarde es el dvd recopilatorio por excelencia de los germanos Deine Lakaien, en el que Horn mezcla con maestría el “savoir faire” de la música clásica con variadas técnicas instrumentales contemporáneas para orquesta sinfónica, y como no, con esa exquisitez conceptual daliniana por la que siempre se caracterizó la actitud del grupo.  Con la ayuda de la Nueva Filarmónica de Frankfurt, y de sus músicos de escena, Sharifa (violín, piano, coros), Ivee Leon (violín, coros), B. Deutung (cello) y Robert Wilcocks (guitarra), Veljanov y Horn se enfrentan esta vez a un público que, después de veinte años de éxito, siguen siendo susceptibles de sorpresa, sin duda alguna, gracias al talento del grupo.

En los dos primeros dvd’s, podemos disfrutar del concierto con la filarmónica y de un documental especial con entrevistas a Horn, Veljanov y los músicos de la filarmónica. Centrándonos en el concierto, aunque algunos temas pierden fuerza al ser interpretados por orquesta, Deine Lakaien ha sabido ponderar las medidas justas para obtener una buena proporción de lo que su público de siempre demanda y lo que sus nuevas captaciones esperan. Así, nos encontramos con el primer corte del dvd 1, Lonely, en el que la dulzura de sus comienzos contrasta con la amalgama caótica de sonidos que se conjuga a lo largo del mismo. En Slowly comes my night, se da rienda suelta a la pasión característica de los temas más sonoros del grupo, todavía con un tempo lento, que conservará hasta su sexto track. Cabe destacar, no obstante, la adaptación a orquesta de uno de sus temas de amor más elocuentes, Into my arms, con una peculiar percusión conseguida por las cuerdas frotadas mediante golpes con sus respectivos arcos en los fondos, lo cual otorga a la melodía un ritmo casi marcial; Uno de los tesoros de la obra. The Mirror Men es una explosión caótica instrumental en la que el grupo, como afirmara en su época el mismísimo Horn, entra en una “pequeña catarsis” de locura que enseguida contagia y sensibiliza a los oyentes. A continuación, Generators, el single del álbum White Lies, con una instrumentación más que adecuada y una ambientación conseguidísima. Una de las adaptaciones más fieles, dentro de lo que cabe. Over and Done ofrece una versión protagonizada por el piano, que pierde un tanto en lo que a la original se refiere, y para finalizar el primer dvd, la mítica Dark Star, perfecta, sublime, apoteósica, con una instrumentación complejísima, con un protagonismo muy ambivalente entre la madera y el metal, y con un Veljanov dando de sí mismo lo máximo.

En el segundo dvd, Colour-ize abre con un tono totalmente electrónico, sin la filarmónica. Nobody’s wounded, un tema con sonidos muy experimentales, sigue la estela electrónica del comienzo de este segundo disco. Ya en la mítica Mindmachine, con los notables coros de Sharifa e Ivee, llega la esperada actuación de Horn al piano, demostrando la experiencia que lleva a cuestas tras veinte años en la escena, y unos cuantos más en la música. Brainfic, con una base electrónica marcada, ensambla bastante bien la música de la banda con los sonidos de la filarmónica, invitando incluso a bailar. No obstante, el mejor tema de todo el dvd es el noveno, Overpaid, donde el grupo vuelve a estallar en una explosión de sonidos y ritmo sin igual en todo el cd; sin duda, lo mejor de toda la obra. Entre su repertorio típico, se encuentra  Reincarnation,  con un estilo bastante contemporáneo en lo que a música sinfónica se refiere, y la mítica Love me to the end, más preciosa que nunca, con un juego constante de trinos que se arrastra durante toda la pieza, de cuerda en cuerda, y con una belleza y sensibilidad que llega al extremo. No podía haber mejor manera, desde luego, para cerrar un concierto. En el tercer dvd aparecen unos extras muy curiosos, de recopilaciones de conciertos de los comienzos de la banda, muy recomendados para los “frikis” de la banda (como servidor).

Concluyendo, he de decir que es un trabajo que recopila con maestría veinte años de una de las bandas con más riqueza y exquisitez, prolíficamente hablando, y que después de tanto tiempo, ha conseguido el respeto y admiración que tanto merecía. Un trabajo, hablando en plata, cojonudo, que si por momentos puede pecar de soporífero (hay temas que son inmejorables en esta banda, y por mucha versión que se les haga, no podrán ser mejores),  nos muestra una vez más que la música es una extensión más de los cuerpos de Horn y Veljanov. Afirmo que es el mejor regalo que me han hecho en mis últimos… ¿22? años de vida. Y encima, venía con camisetita.

Mr. Kozu

Artista: Haggard

Título: Tales of Ithiria

Fecha: 29 de Agosto de 2008

Discográfica: Drakkar Records

Nacionalidad: Alemania

Estilo musical: Metal sinfónico

Página web: http://www.haggard.de  —-  http://www.myspace.com/haggard2007
 

 Dicen que lo bueno, si breve, dos veces bueno. Tan es así, que los 42 escasos minutos de duración del nuevo trabajo de la, quizás, banda más cualificada de metal sinfónico, Haggard, dejan una leve sensación de encuentro con lo celestial, como si de un pequeño trozo de divinidad en la tierra se tratara. No obstante, no puede uno estar más en desacuerdo con el refranero castellano. Despues de cuatro años de inactividad, vuelven para hacerle el relevo al que fuera su mayor obra maestra, “Eppur si Muove”. Cuatro años en los que no han podido incubar mejor un disco, para así seguir manteniendo la magia de sus obras anteriores. En “Tales of Ithiria”, Asis (fundador, guitarra y vocalista del grupo) deja a un lado sus discos conceptuales y biográficos para describir la vida de un mundo imaginario llamado Ithiria, en el que se disputa la eterna batalla del bien contra el mal. Para ello, las voces operísticas (tanto femeninas como masculinas) interactúan con las guturales, las cuerdas frotadas con las pulsadas, y el viento madera con el metal, logrando una de las más perfectas escenificaciones de la batalla posiblemente más narrada e interpretada de toda la lírica. Destaca, a mi parecer, “In Des Konigs Hallen (Allegretto Siciliano)”, una exquisita pieza con reminiscencias renacentistas, muy bien ensamblada, que nos puede recordar a aquellos minuetos de “Eppur si Muove” o “Awakening the Centuries” que hicieron de su discografía una joya. El mejor tema, “Chapter II: Upon Fallen Autumn Leaves”, en el que las voces lírico-dramáticas hacen una de las mejores interpretaciones de la historia del grupo, compitiendo arduamente con “Chapter V: The hidden sign”, con letras parcialmente basadas en el “Dies Irae” de la misa Requiem de Mozart. También llama la atención esa cover del grupo de pop español, Mecano, “Hijo de la luna”, que, sin pena, pero también sin gloria, resta en un disco de magnífica calidad. ¿Críticas? No han sabido ensamblar, a pesar de cuatro años de maduración, la música metal y la clásica como en sus predecesores, lo cual denota un contraste musical importante, y una falta de musicalidad en algunos contados pasajes. Por otro lado, aunque mil veces versionada, y muy bien elegida, esperaba una versión algo más original de “Hijo de la luna”, de la cual se podría prescindir en el disco absolutamente. Aunque no supera el nivel de sus dos discos antecesores, “Tales of Ithiria” es una obra maestra que mantiene a sus creadores en el trono, insuperable, de los más grandes de la música sinfónico-metalera. Un disco que no sólo agrada a los amantes del metal, sino también a los de la música medieval, folk y clásica.

Mr. Kozu